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二十年,二十大导演
2019-12-31 12:50
 
克里斯托弗· 诺兰
 
生日:1970年7月30日
出生地:英国伦敦
2000年后代表作:[记忆碎片](2000)、[蝙蝠侠:黑暗骑士](2008)、[盗梦空间](2010)、[星际穿越](2014)、[敦刻尔克](2017)
奖项:
 
聪明即性感
 
Smart is the new sexy. 聪明即性感。这一新世纪的宣言,大概能解释诺兰为何在这20年里,在全球范围内广受欢迎。
 
他爱在电影里设局,还往往是连环套。他钟爱复杂的情节,如果故事不够复杂,就利用结构,让它变得复杂。观众在观看他的电影时,很容易体会到智力的角力,甚至受骗受虐的快感。
 
21世纪的头20年,既是电影的盛世,也是电影的乱世。“盛”在于观众对于电影的空前渴望。“乱”在于全球性创意的枯竭,成功的原创性作品难觅,多是视觉的狂轰滥炸。
 
而诺兰不仅顾及了视觉奇观感受,更依然坚守了创意,坚持将深刻的思辨注入电影中,做电影思想深度倒退时的逆行者。
 
诺兰在这20年的第一部电影,[记忆碎片]里,就发挥了他智力上的性感。他的方法出奇,先按照时间顺序写了一遍剧本,再将情节打乱重组。
 
一句话就能概括的故事线(失忆杀手追寻妻子死亡真相),却因叙事结构变成了一座迷宫,错乱无助的感觉真真切切。后来的诺兰不断在电影中修建迷宫。
 
无论是[盗梦空间]里梦境构成的奇诡视觉迷宫、叙事结构的套娃迷宫,或是[星际穿越]里五维空间迷宫、时间错位迷宫,甚至是[蝙蝠侠:黑暗骑士]里小丑“恶作剧”筑成的道德迷宫。
 
票房和解读狂潮都证明,诺兰不是在冒犯观众或炫耀什么,而是充分尊重观众的理解能力。
 
聪明的诺兰也打破固有类型的范式。[黑暗骑士]三部曲,如同他后来所说,每一部都不是由英雄,而是由反派所定义。想知道一个人是什么样的,先看他的对手是谁。
 
[盗梦空间]是科幻片,但诺兰用一种犯罪剧的思路设计情节。[敦刻尔克],尽管所有人都知道敦刻尔克大撤退的结果,但他利用年轻鲜活生命一次次的生死一线,让所有观众提心吊胆,成功塑造出悬疑感。
 
笨人才偷懒,聪明人只做苦功。在这个创造力逐渐缺失的20年里,能像诺兰一样苦心孤诣,与观众玩智力游戏的,活该红。
 
 
马丁· 斯科塞斯
 
生日:1942年11月17日
出生地:美国纽约
2000年后代表作:[纽约黑帮](2002)、[飞行家](2004)、[无间道风云](2006)、[禁闭岛](2010)、[雨果](2011)、[华尔街之狼](2013)、[爱尔兰人](2019)
奖项:第79届奥斯卡最佳影片/ 最佳导演( [无间道风云])
 
永不过时的社会学家
 
从处女作[谁在敲我的门]算起,马丁·斯科塞斯已经连续拍了五十多年的电影。如今,77岁的老爷子仍未流露出一丝的疲倦。
 
和马丁当年一起闯荡好莱坞的“电影小子”们大多已经沉寂:卢卡斯早已将[星战]放手给了新人,科波拉几度打算重出江湖却仍未见到切实的行动,德·帕尔玛因为不卖座的新片陷入财务危机……
 
恐怕也只有斯皮尔伯格还算精力有余,但近些年的作品也很难企及过去的辉煌。谁也想不到,过去混得最潦倒的马丁,现在竟然依旧激情万丈。
 
新千年刚过,60岁的马丁与28岁的小李组成了新搭档,以一部热血沸腾的[纽约黑帮]杀回好莱坞。20年里,两人共同合作了5部电影,锐意十足。不得不承认,小李的人气给了马丁更多的曝光机会,也让更多的观众接触到马丁的电影。
 
2007年第79届奥斯卡颁奖典礼,65岁的马丁终于凭借[无间道风云]登上了最佳导演领奖台,而为他颁奖的正是当年的老友科波拉、卢卡斯和斯皮尔伯格,曾经的“好莱坞四杰”汇聚一堂,正是对马丁电影生涯最崇高的敬意。
 
当然,拿奖并不是马丁的终点。之后的他,创作力愈发地旺盛,挑战悬疑类型的[禁闭岛],进军HBO电视剧的[大西洋帝国],大胆尝试3D拍摄的[雨果],揭露金融精英背后丑态的[华尔街之狼],以及今年这部充满野心的黑帮题材回归之作[爱尔兰人]。
 
马丁在这些类型各不相同的电影中所散发出的能量,一点儿也不比年轻时候的少。况且,在拍摄这些电影的期间,他还制作了多部题材不同的纪录片,可谓是老当益壮,精力过人。
 
而多产并没有影响马丁电影的制作质量与艺术水准,持续不断的旺盛创作力令人惊叹。究其原因,最重要的一点便在于,他是一个坚定而敏锐的社会观察者。
 
被称为“电影社会学家”的马丁,始终将镜头对准现实,以揭露当下社会的内在矛盾。这种特质不会轻易地随着时间而消退,而是在新的年代里呈现出新的变化,是一种永不过时的创作方式。
 
而在这之中,一个亘古不变的命题油然而生,无论是那些消灭不尽的暴力、犯罪,还是情不自禁的古怪臆想,既让人痛恨,也令人悲悯。
 
它们都属于人性和社会无法根除的一部分,是人类历史源源不断的悲剧来源。这,也正是马丁电影中最迷人的一面。
 
 
李安
 
生日:1954年10月23日 
出生地:中国台湾
2000年后代表作:[卧虎藏龙](2000)、[断背山](2005)、[少年派的奇幻漂流](2012)、[比利·林恩的中场战事](2016)
奖项:第73届奥斯卡最佳外语片([卧虎藏龙])
第62届威尼斯电影节金狮奖([断背山])
第78届奥斯卡最佳导演([断背山])
第64届威尼斯电影节金狮奖([色,戒])
 
旧文人,先创新
 
对李安来说,这20年的开局不错。感谢全球化,让他能将东西方文化融会贯通,让他能冲出故土,获得全世界的认可。
 
2000年,他拍出了[卧虎藏龙],次年获得奥斯卡最佳外语片。接下来,又有2005年的[断背山]、2016年的[少年派的奇幻漂流],让他二封奥斯卡最佳导演。
 
可他不满足于此,一个东方的旧式文人,偏要挑战最新的120帧。无奈此时的创新并不被接受。[比利·林恩的中场战事]、[双子杀手]双双失利,李安也只能一脸无奈。
 
李安的成功与失败,都是因为他的轴。
 
1999年跨越到2000年的那天,好像什么都没有发生。但此刻回望这20年,人心肉眼可见地变得浮躁。待人们醒觉,已经回不去,只能疯狂地赞美“匠人精神”。
 
浮躁时代里,能一股子轴劲拍片的,是稀缺动物,必然鹤立鸡群。
 
回到20年前,李安在国际上的突破之作,[卧虎藏龙]。拍摄这部电影的过程,几乎是李安和袁和平干架的过程。
 
李安要拍竹林戏,须得吊威亚,而八爷对武术的真实感是有追求的,靠钢丝像什么样子。他向李安摊牌,打和意境,你选一个吧。
 
李安却在此时露出“甲方”的“丑恶”嘴脸:“能不能打得有意境?”竹子韧,一压就弯,拍起打戏使不上力。
 
李安死心眼,“打”和“意境”都不能少,害得袁和平把抱怨挂在嘴边:“文人说大话。”真拍起来,竹林要布置,竹子要保鲜,要等阳光来,演员又要亲自上阵。李安真是一点也不妥协,一根筋到底。
 
以这一股八头牛拉不回来的文人倔劲,李安拍成了一部又一部。诚意与思考,下心血观众必然会看到。但李安不满足于此。
 
拍[少年派的奇幻漂流],他发现3D的亮度不够,拍摄移动物体也太晃,便毅然决定拍摄120帧的电影。明明是个东方文人,却先一步技术创新。
 
可[比利·林恩的中场战事],北美不买账,称那高清高帧的质感,像肥皂剧。但李安多轴啊。
 
在[比利·林恩]宣传期间,他就说,最大的恐惧,是下一部120帧电影,仍然是自己拍的。
 
他明明对这种未来有了预想,却还是一门心思拍摄了第二部120帧电影[双子杀手]。他讲,拍看不到电影的未来形态了,所以要提前拍未来的电影出来看看。
 
无论输赢,李安仍以一股坚决的轴劲,与这浮躁的20年对抗,让所有人都无法忽视他的存在。
 
 
彼得· 杰克逊
 
生日:1961年10月31日
出生地:新西兰惠灵顿
2000年后代表作:[指环王]系列、[金刚](2005)、[霍比特人]系列、[他们已不再变老](2018)
奖项:第76届奥斯卡最佳导演/最佳改编剧本奖([指环王:王者归来])
 
B级片导演华丽转身
 
2001年,[指环王:魔戒再现]上映之前,贴在彼得·杰克逊身上的标签是B级恐怖片导演,做得还不错,既能拿奖,又能获得不错的票房,制片商愿意主动上门请他拍片。
 
这位新西兰出生的怪咖,偏爱电影特效,曾梦想成为电影特效师,处女作是造型怪异、剧情离奇的低成本科幻片[坏品位]。
 
虽然条件简陋,但无论如何,他创造条件完成了处女作,释放了自己的“坏品位”。
 
1998年开始,彼得·杰克逊把全部精力投入到了对奇幻小说《魔戒》的电影改编工作中,而且要三部连拍,遇到一些波折,最终总算是靠前期投资所拍的短片,说服美国新线电影公司接手这一项目。
 
[指环王]系列一经推出,风靡全球。彼得·杰克逊创造了以前电影无法企及的视觉特效,逼真且充满想象力,把只能在脑海里幻想的场面,变成流动的影像。
 
[指环王]系列之后,环球影业重金聘请杰克逊翻拍1933年的怪兽片[金刚],正是这部影片刺激了他幼小的心灵,萌生成为电影特效师的想法。
 
翻拍版[金刚]中规中矩,不过也能看出,虽然偏爱特效,但杰克逊也有一颗赤诚的文艺之心,和所有创作者一样,期望一手缔造伟大作品。
 
2011年,杰克逊又开始大制作——创作[指环王]系列前传——[霍比特人]系列,依旧是三部连拍,再次在全球刮起中土世界大战的狂潮。
 
新世纪电影技术的突破口是电脑特效,彼得·杰克逊的电影实践,在这一领域取得无可争议的成就。
 
伴随他的电影创作,有一家电脑特效公司不得不提,几乎影响着新世纪前二十年,甚至之后更长远时间,世界电影特效的发展。这家名为维塔工作室的后期公司,如今在业内已是无人不知。
 
1993年,彼得·杰克逊与好友成立的维塔工作室,2000年后发展为业界标杆,成为唯一可以与乔治·卢卡斯的工业光魔叫板的电脑特效公司。
 
维塔工作室承接了彼得·杰克逊所有电影,以及[速度与激情]、[阿凡达]等片的后期特效。除此之外,世界各地的特效电影有许多直接或间接受惠于维塔工作室领先的技术。
 
尽管从人文的角度,人们对视效大片有诸多批评,但从科技和娱乐,以及艺术发展的可能形态来看,技术进步始终是值得拥抱的事情。
 
 
阿方索· 卡隆
 
生日:1961年11月28日 
出生地:墨西哥墨西哥城
2000年后代表作:[你妈妈也一样](2001)、[哈利·波特与阿兹卡班的囚徒](2004)、[人类之子] (2006)、[地心引力](2013)、[罗马](2018)
奖项:第86届奥斯卡最佳导演([地心引力])
第91届奥斯卡最佳导演/最佳摄影/最佳外语片([罗马])
 
初心不改的革新者
 
叱咤风云的“墨西哥三杰”之中,阿方索·卡隆年纪最大,出道时间也最早,但他却是三人中最不愿循规蹈矩、最富少年意气的那一个。
 
相较于德尔·托罗对怪物特效的痴迷,伊纳里图对多线叙事的偏爱,卡隆的电影确实很难找到统一的风格,这也正反映了他在电影语言上强烈的创新意识。
 
卡隆在将近30年的导演生涯,一共只拍摄了8部电影长片,最受认可的作品基本都在2000年以后。他不拒绝优越的资本、明星和特效技术,即使是在商业大片中,他也执拗地坚持艺术性的结合和实验性的探索。
 
 
[人类之子]中以假乱真的写实长镜头,[地心引力]中三轴六自由度的太空长镜头,不仅扩展了商业电影更多的可能性,也推动了拍摄技术的发展与革新。
 
同时,他也能在商业浪潮中急流勇退,安然地回到家乡,用小成本抵达艺术电影的极致。他两进两出好莱坞,从不被金钱和虚名左右自己的创作理念,可谓初心常在。
 
90年代末,卡隆在拍摄明星阵容的文学改编电影[远大前程]时,痛苦万分。
 
自从凭借处女作[爱在歇斯底里时]受到好莱坞的邀请以来,卡隆自知在这里无法实现远大抱负。仿佛是受了这部狄更斯小说的启发,他忽然清醒地明白了自己的目标——要拍真正属于自己的电影。
 
2001年,回到母语片的卡隆用一部惊世骇俗的[你妈妈也一样]一下子震惊了世界。
 
这部主题大胆的公路片,在拍摄时并没有完整剧本,只有个故事梗概,创作团队与演员一边拍一边讨论剧情的走向。它的风格自由不羁,情感真实而热烈,让人顿时感到一股新浪潮精神的沿袭。
 
第二次回归母语片,则是在[地心引力]拿到奥斯卡最佳导演奖之后——卡隆成为奥斯卡历史上第一位获得该奖的墨西哥导演。
 
此时,他在好莱坞地位显赫,几乎可以随心所欲地获得任何拍摄资源。然而,出乎所有人的意料,他再次回到艺术电影的怀抱,而且这次走得更加极致,用黑白片的模式还原五十年前的墨西哥城。
 
这,便是今年初获得最佳外语片奖的[罗马]。
 
卡隆并非被动地逃离好莱坞,而是主动地选择遵从自我意志,遵从拍摄电影的真诚。
 
[罗马]用一种极端克制的镜头语言,完成了对祖国墨西哥历史的回眸,对童年记忆的审视,对家庭亲情的告白。这当然是他在好莱坞无论拍摄多少部大片,都换不来的浓郁乡情。
 
在这个电影语言的发展越来越缓慢的时代,卡隆就像一个永不知足的大男孩,热情洒脱,满怀希望,倔强地将那些不可思议的镜头一个个化为现实,让我们对电影依然充溢期待。
 
 
亚历桑德罗· 冈萨雷斯· 伊纳里图
 
生日:1963年8月15日 
出生地:墨西哥墨西哥城
2000后代表作:[爱情是狗娘](2000)、[21]克(2003)、[通天塔](2006)、[美错](2010)、[鸟人](2014)、[荒野猎人](2015)、[血肉与黄沙](2017)
奖项:第53届戛纳电影节影评人周单元大奖([爱情是狗娘])
第59届戛纳电影节主竞赛单元最佳导演([通天塔])
第87届奥斯卡金像奖最佳影片/最佳导演/最佳原创剧本([鸟人])
第88届奥斯卡金像奖最佳导演([荒野猎人])
第90届奥斯卡金像奖特别成就奖([血肉与黄沙])
 
好莱坞拿来主义
 
世界电影的重心在好莱坞,这一点毋庸置疑。
 
一个世纪以来,好莱坞之所以能源源不断地产出并向全球输送优质电影,除了依赖于成熟完善的电影工业外,另一个关键点就是网罗了来自世界各地杰出的电影人。
 
新世纪以来,墨西哥混乱低迷的现实意外地为电影的发展提供了一块热土,继黄金时代后,墨西哥影坛迸发出了一股难以用语言形容的生命力。
 
几部令人惊艳的处女作,让墨西哥电影在世界影坛小露锋芒。
 
2007年,导演亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里图的电影[通天塔]提名奥斯卡最佳影片,和他一起的还有阿方索·卡隆的[人类之子]以及德尔·托罗[潘神的迷宫]。
 
三位墨西哥之光带着各自的作品从欧洲三大电影节一路走到好莱坞,揽获各项大奖,成为20年来进驻好莱坞的新力量之一。
 
伊纳里图比阿方索·卡隆和德尔·托罗出道较晚,2000年凭借处女作[爱情是狗娘]一举入围奥斯卡金像奖最佳外语片提名。
 
他巧妙地运用多线叙事结构,以一个意外事件为开端,串联起几个独立的故事,直面残酷悲悯的爱情现实,引人深思,之后的[21克]、[通天塔]同样。
 
虽然收获了不少影迷和电影节的认可,但结构化玩多了难免让人有江郎才尽的重复感,不少影评人对此也并不看好。
 
2007年的[美错],伊纳里图放弃了多线手法,转而用一些超现实镜头展现巴塞罗那的残酷与悲伤。
 
好莱坞是主流的,但此时,对于灵魂和生死困惑而暧昧的伊纳里图更像是一个游走于好莱坞边缘的艺术导演。
 
四年后,伊纳里图带着力作[鸟人]一举拿下奥斯卡最佳影片,第二年凭借[荒野猎人]将陪跑多年的李奥纳多送上了奥斯卡影帝的宝座。至此,曾经徘徊在边缘的伊纳里图才正式被纳入好莱坞的创作版图。
 
同一战后进入好莱坞的众多欧洲导演一样,墨西哥导演们为已过期颐之年的好莱坞注入了一股新的能量,他们自身的异域文化和创作风格极具个人色彩,融合了好莱坞电影工业的优势后,便产生了一加一大于二的效果,无形中化解了如今的电影语言日渐收缩矮化的困境。
 
好莱坞也深谙拿来主义的门道,为各导演的才华匹配了相应的物力支持,产出的影片既有导演本身的风格,又符合好莱坞主流的审美喜好,鱼与熊掌兼得,一如伊纳里图的[荒野猎人]、一如诺兰的[盗梦空间],真是门稳赚不赔的买卖。
 
 
吉尔莫· 德尔· 托罗
 
生日:1964年10月9日 
出生地:墨西哥哈利斯科
2000年后代表作:[刀锋战士2](2002)、[地狱男爵](2004)、[潘神的迷宫](2006)、[环太平洋](2013)、[水形物语](2017)
奖项:第74届威尼斯电影节金狮奖([水形物语])
第90届奥斯卡最佳影片/最佳导演([水形物语])
 
尘世间仍有怪谈
 
上世纪90年代墨西哥经济复苏,经济环境改善,为这20年里电影人的出头埋下了伏笔。2018年,吉尔莫·德尔·托罗获奥斯卡最佳导演,到此为止,“墨西哥三杰”都接受了奥斯卡的加冕。
 
不敢想象,1997年,托罗还差点因为[变蝇人]远离好莱坞。韦恩斯坦兄弟几乎完全主导了这部电影,故事和选角,托罗都插不上手,搞得心灰意冷。
 
托罗能出头,真的是“熬”出头,是“磨”到位。他所钟爱的题材,与好莱坞喜闻乐见的“大众向”背道而驰。但他就是不服输。说要离开好莱坞,也是说说而已。
 
2001年在墨西哥拍完[鬼童院]后,他又回来了。托罗的新千年,才刚刚开始。
 
重回好莱坞,托罗机智地选择了[刀锋战士2]和[地狱男爵]。这样的故事,是他所钟爱的怪物、奇谈,与好莱坞商业属性有最大交集的题材。这样,他终于有钱,拍[潘神的迷宫]。
 
为了这部电影,他不仅不要工资,还把自己的积蓄都投进去了,甚至为之瘦了40磅(约18千克)。所幸,一切有了回报。[潘神的迷宫],入围了那年的戛纳主竞赛,在奥斯卡也获得六项提名。
 
他电影里那些奇形怪状的怪物,埋藏的是边缘人不被理解的悲哀。但大多数人止步于恐惧门外,不愿过多了解怪物的内心。
 
托罗在拍摄电影时,也如此。他心心念念许多年的项目,包括弗兰肯斯坦和匹诺曹,都是非常黑暗的版本。
 
和投资人谈,往往是对方一听是匹诺曹,那个可爱的小木偶,来了兴趣;但听两句,发现他要拍的匹诺曹,不是迪士尼合家欢,而是暗黑的原著样式,小木偶的腿被烧,还被吊起来,甚至背景还是二战,立刻吓得跑路,根本不管托罗想表达的,是怎样的纯真和善良。
 
但即使这样,托罗也不曾退让过分毫——不能按他想的拍,那就不拍。
 
[水形物语],托罗一如既往,借鱼人和哑女的美好爱情,表达边缘人的困难。但情况不同的是,美国当下的社会环境,让这个题材充满了现实意义。托罗还是那个托罗,只是世界不一样了。
 
但,如果托罗在20年前就放弃,如果他不曾回好莱坞,与之斗个至死方休,20年后,又哪里轮得到他抓住这个机会。
 
像他所说,[变蝇人]之后,他苦练拍摄与剪辑,为的就是拍出,让片厂无法随意删减的镜头。
 
熬过20年,在这个互联网时代,观众更加个性化,趣味更加古怪分众的时代,托罗终于迎来了自己的黄金期,他终于从宅男的小角落走到阳光下,在尘世间散播怪谈。
 
 
保罗· 托马斯· 安德森
 
生日:1970年6月26日 
出生地:美国斯蒂迪奥城
2000年后代表作:[私恋失调](2002)、[血色将至](2008)、[大师](2012)、[性本恶](2015)、[魅影缝匠](2018)
奖项:第50届柏林电影节金熊奖([木兰花])
第55届戛纳电影节最佳导演([私恋失调])
第58届柏林电影节最佳导演([血色将至])
第69届威尼斯电影节最佳导演([大师])
 
向库布里克靠近
 
在美国,评论家早已将保罗·托马斯·安德森(以下简称PTA)当作新千年以来最重要的独立电影导演,更有人把他称之为新世纪“库布里克的接班人”。
 
2007年的影片[血色将至],虽然在奥斯卡颁奖礼上败给了科恩兄弟的[老无所依],但在之后的岁月里,其影响力早已超过了后者,被认为是新世纪最伟大的作品之一。
 
在2 016年BBC组织评选的“21世纪最伟大的100部电影”中,[血色将至]位列第三,仅次于[穆赫兰道]和[花样年华]。
 
而在今年《卫报》评选的“新千年百佳电影”中,[血色将至]更是荣登首位。
 
PTA才华横溢,天赋异禀。连大学都没怎么正经上过的他,仅仅通过自学和实践就获得了丰富的拍摄经验。
 
他个性叛逆,特立独行,好不容易申请上了纽约大学电影学院,结果只呆了两天就退学了。拿了学校退还的学费,他拍摄了短片[香烟与咖啡],从此在圣丹斯上引起关注。
 
2000年伊始,PTA的电影事业突飞猛进,[木兰花]仅仅作为他的第三部长片,就在第50届柏林电影节上斩获了金熊奖。
 
之后的每部作品都在国际上备受瞩目,[私恋失调]、[血色将至]、[大师],接连在电影节上荣获大奖。如今,他已囊括了欧洲三大电影节的最佳导演奖,成为历史上第一位大满贯获得者。
 
有趣的是,在欧洲影坛和北美评论界都颇受追捧的他,却在本土的奥斯卡上几乎颗粒无收。
 
对于传统古板的学院派,PTA似乎始终是个不入流的“野路子”导演。他的题材大胆,风格另类,手法前卫,主题晦涩。而他电影中的角色,往往都是极具怪癖的边缘人物,性格偏执,情感复杂,象征着一个个被时代扭曲的灵魂。
 
这样的特征,也的确让他很难捕获主流大众的喜爱,但那股充满魔力的气质却深深吸引着一部分深度影迷。
 
这对于PTA 来说并不是一件多么遗憾的事情,正如他的精神导师罗伯特·奥尔特曼或者斯坦利·库布里克一样,也从来未受到过主流的青睐。
 
电影艺术需要持续地传承,也需要不断地创新。
 
PTA始终以那些最顶尖的艺术导演为目标,将那些大师作品中的精髓化为自己的骨肉。如今的他已经站在巨人的肩膀上,打开了艺术电影的新纪元。随着时光的发酵,他的电影还将愈发令人陶醉。
 
 
是枝裕和
 
生日:1962年6月6日
出生地:日本东京
2000年后代表作:[无人知晓](2004)、[步履不停](2008)、[奇迹](2011)、[回我的家](2012)、[比海更深](2016)、[小偷家族](2018)
奖项:第71届戛纳电影节金棕榈奖([小偷家族])
 
稳中求变
 
随着上一代日本电影大师的离世,新世纪头20年,日本电影在国际上的影响力也日渐势微,逐渐收缩至本土阵地。
 
日本电影如何在前人的基础上重回高峰,成为当代导演们的一个难题。
 
与同时代的日本导演相比,是枝裕和的国际影响力算是最大的,不仅因为他在国际电影节上获得过更多的奖项,还因为他并不逊色的票房号召力。
 
当外界企图用“小津接班人”的称号将他定义在家庭片范围内的时候,是枝立刻在高频的创作中展示起了自己的多种可能,用[第三度嫌疑人]这样的商业片自我证明,让人们从他的电影中看到一个既传统又现代,既本土又世界的富有新气象的日本电影,用“变化”摸索着日本电影可能的出路。
 
是枝的电影包罗万象,虽然大部分在书写家庭,却是个人与社会,复古与当下的结合体。
 
早年他在母亲的影响下萌生了对电影的喜爱,但母亲又极不希望他从事这一行业,这种拧巴的心理让是枝裕和很是迷惑。
 
本着多年来对母亲纠结的情感,是枝以她为原型进行创作,用多部电影捕捉着普通家庭生活的平淡、趣味和温情,因为这一点,很多人将他视为小津的延续,但是枝并不赞同。
 
他身上的确有小津家庭题材的味道,有着日本传统电影的沉静气质,但更多的是着向世界靠近的共同情感,从现实里提炼出来的触动人心的主题。
 
[如父如子]中讲述了两个家庭抱错孩子的故事,但更多的是在探讨亲情和血缘的关系,[步履不停]记录了儿子和母亲间琐碎的点滴,其实是在剖析全世界难以言说的母子关系。
 
到了后来的[小偷家族],更是回到了[无人知晓]时期的风格,将家庭故事和社会问题搅和在一起,更无形中深化了这种日式家庭片的现实意义。
 
这一点已经超出了小津电影的题材范围,实现了在前人基础上的求变。
 
必须承认,电影从诞生走到今天,经过无数人的探索实验,已经逐渐形成了一种世界通行的语言。
 
人们遵循着前人留下的经验和惯性,明面上看起来,电影越来越成熟,实际上路却越走越窄。
 
实验性,冒险性逐渐消失,电影也成为一种机械化复制时代的流水线作品,进入一种无功无过的温吞状态。
 
作为日本电影新气象的代表,是枝将自己的想法和前人的经验相融合,无形中为日本电影的发展摸索出了一个新的出口,让人从他内敛又沉静的口吻里,看到了一个稳中求变的日本影片。
 
 
贾樟柯
 
生日:1970年5月29日
出生地:中国山西
2000年后代表作:[站台](2000)、[任逍遥](2002)、[世界](2004)、[三峡好人](2006)、[山河故人](2015)、[江湖儿女](2018)
奖项:第63届威尼斯电影节主竞赛单元金狮奖([三峡好人])
第66届戛纳电影节主最佳编剧([天注定])
 
时代的记录者
 
过去20年,贾樟柯是中国电影一个独特而独立的存在,与其说他是一个创作者,不如说他更像一个发现者、记录者。
 
好巧不巧地站在了时代的转折点上,通过采撷和记录山西这块土地上的人和事,折射着整个中国20年来的变迁。
 
从最初的[小武]到去年的[江湖儿女],不管“好人”还是“故人”,无论“注定”还是“传奇”,贾樟柯电影里自始至终都不缺的是对人的关注,对社会的思考,在时代洪流中的磐石之上,平等关照着每一个普通人。
 
不做道德评判,只是通过个性鲜明的纪实风格,沉静地展现着一幕幕人间真实。
 
王侯将相或平民百姓,都是他电影里的落水者。就像他曾说的“静物代表了一种被我们忽略的现实,虽然它深深地留有时间的痕迹,但它依旧沉默,保守着生活的秘密”。
 
贾樟柯习惯于用书写英雄的方式描写着县城里的小人物们,既诠释和反思了巨变中的中国,也留住了有情有义的时代身影,为中国电影增添了一种县城语言。
 
[站台]里的1979年,刚刚改革开放的中国,一群年轻人站在“站台”上却不知道目的地在何方,他们的命运与旅途有关,却显得格外疲倦和哀伤。
 
2006年的[三峡好人],用寻找爱人的一男一女,表现了时代车辙下迷茫奔走的普通人,如果没有这部影片,那片土地上的情义和记忆可能就如大水淹没的奉节一样销声匿迹了。
 
之后的[山河故人]将记录性表现得更加明显。电影选取1999年,2014年和2025年三个时间点,讲述了青梅竹马的三个好友在时代变化下从相聚到最终离别的故事。
 
一幕幕波澜不惊的情节却串联起宏伟的命运主题,一件件看似琐碎的生活细节却精准地切开了过去,现在,未来的时代侧面,关于父母、关于爱人、关于子女的永恒的情感羁绊最终化为“每个人只能陪你走一段路”的内心共鸣。
 
德国电影评论家乌利希·格雷格曾称贾樟柯为“亚洲电影闪电般耀眼的希望之光”,这份光芒既是他本身才华的外化,也是反射了整个时代兴衰的结果。
 
虽然一直以来他的电影在国内票房都不尽如人意,但贾樟柯几乎没让投资商赔过钱,通过海外发行渠道,从全球回收着电影的版权费用,用时间的力量缓慢实现着这些片子的价值。
 
每个时代都有需要像他这样的记录者,不张扬不激越,静静诉说着时代变迁下的虚妄与伤痕。或许未来某天,当我们猛的回忆起那些被时间慢慢吞噬的记忆时,方能察觉出时间发酵的魅力。
 
 
奉俊昊
 
生日:1969年9月14日 
出生地:韩国大邱
2000年后代表作:[绑架门口狗](2000) 、[杀人回忆](2003)、[汉江怪物](2006)、[母亲](2009)、[雪国列车](2013)、[玉子](2017)、[寄生虫](2019)
奖项:第72届戛纳电影节金棕榈奖([寄生虫])
 
作者性的胜利
 
2019年正值韩国电影百年,奉俊昊的[寄生虫]在此时拿下韩国影史上的首个戛纳金棕榈大奖,既是他的个人荣誉,也是韩国电影潜力得到世界影坛认可的象征。
 
奉俊昊是幸运的,赶上了韩国电影整体崛起的时代,这为他从本土导演进阶到国际行列提供了平台。
 
作为韩国电影界的中流砥柱之一,他的作品数量虽称不上多,从千禧年的处女作[绑架门口狗]到如今的[寄生虫],20年不过7部长片,但每一部都别具特色。
 
社会学专业出身的奉俊昊,习惯于将各种生活日常和讽刺情节植入影片当中,这让他的作品有着浓烈的社会性和现实性。因自小沉迷于电影这种娱乐方式,各种类型和结构玩起来也是得心应手。
 
类型、商业、现实、讽刺这些元素融合到一起,再加上创作者自己的个性和想法,使得奉俊昊的电影带有强烈的个人主义色彩。
 
这份作者性让他的片子在拥有商业观赏性的同时,避开了类型电影那种刺激的平淡,从同质化严重的电影界脱颖而出。这种特色也是20年来韩国电影在国际上风头日盛的关键。
 
近年来,绝大多数电影人都面临着创作灵感枯竭的困境。
 
文艺片市场普遍呼声不高,类型片模式趋于固化,叙事手法和视听语言在前几代人的探索下几近完善,再难推陈出新,就连特效技术都进入了一个不上不下的瓶颈期。
 
互联网时代,观众获取影片信息更快,渠道更多,对这个世界的里子和面子也了解的更多,透过流媒体平台,边缘化的事物有了发展为主流的可能,以此为宣泄口,人们尽情地谈论着各种糟心的社会问题。
 
奉俊昊的电影选择从大多数人熟悉的角度切入,虽然描绘的是韩国的现实困境,却道出了全世界人共同的苦恼:失业困境、亲属关系、犯罪事件、阶级固化、贫富差距。
 
沉重的现实奠定了奉俊昊影片的厚度,剧本和分镜的精雕细琢又保证了影片的质量,在这两点基础上再有机融入导演强烈的个人风格,吸睛的类型化外壳里包裹着底层小人物挣扎求生的艰辛,有里有面,给平淡的流水线商业片狠狠打了一针鸡血。
 
在全球电影业陷入困境的当下,奉俊昊从小路探索了让影像重具魅力的方式,这种方法50年代的法国用过,60年代的美国用过,70年代的香港也用过,虽然具体内容不同,但大体路数是一样的——立足现实基础上的作者性创作。
 
 
迈克尔· 哈内克
 
生日:1942年3月23日 
出生地:德国慕尼黑
2000年后代表作:[钢琴教师](2001)、[隐藏摄像机](2005)、[白丝带](2009)、[爱](2012)
奖项:第54届戛纳电影节评审团大奖([钢琴教师])
第58届戛纳电影节最佳导演奖([隐藏摄像机])
第62届/第65届戛纳电影节金棕榈奖([白丝带]/[爱])
第85届奥斯卡最佳外语片([爱])
 
深邃洞察人生
 
如果把恐怖、惊悚、暴力元素集合到一部电影里,你大概会想到好莱坞某部商业电影的画面,但如果告诉你这些都出现在一位欧洲导演的电影里,你就要重新斟酌一下自己的想象了。
 
你绝对无法在迈克尔·哈内克的作品中,获得好莱坞般的视听体验。即便它们拥有耸人听闻的情节与视听元素,但哈内克一定会用最严肃的方式,表达他的见解。
 
哈内克承接了欧洲人文导演的传统,着迷于对中产阶级人性与生存矛盾的刻画。成为导演之前,他有过很长一段时间的写作经验,给杂志社和电台等撰写文学和电影评论。
 
后来他又进入剧场及电视台工作,磨练出编剧及导演才华。直到4 6岁,哈内克才真正成为导演,并在47岁时完成处女作。
 
中学时期,他曾想过要当演员,所以翘课跑去维也纳音乐表演艺术大学的戏剧学院参加试镜,本以为父母都是小有名气的演员,自己不会被拒,结果却令他非常懊恼,于是,把更多精力投入到写作中。
 
后来,他把导演视为“写作”,必须对所有内容负责,因此,他坚持自己撰写剧本,践行着作者电影的传统。
 
2001年,哈内克执导的[钢琴教师]获得戛纳电影节评审团奖及最佳男女主角奖,自此他作为欧洲作者导演在新时代的代表,爆发令人惊叹的创作生命力,活跃在国际电影舞台。
 
他的身上可以看到技术流电影横行的年代,欧洲导演倔强的人文意识,以严肃的表达对待现实问题。
 
2009年,哈内克凭借[白丝带]夺得戛纳电影节金棕榈奖,在罪恶与痛苦这一主题上,由小及大、由浅入深地刻画罪恶由来。
 
2012年,哈内克再次获得戛纳电影节金棕榈奖。这次,他把恒久之爱与生理之痛的矛盾放入电影[爱]中,既温情隽永,又无奈忧伤。
 
如果说电影是艺术,诸如哈内克这样的导演,正在践行艺术应有的触及心灵、反观自我的作用。21世纪的前20年,电影界仍然有这样一群导演,在延续它非娱乐的一面。
 
 
努里· 比格· 锡兰
 
生日:1959年1月26日
出生地:土耳其伊斯坦布尔
2000年后代表作:[远方](2002)、[三只猴子](2008)、[小亚细亚往事](2011)、[冬眠](2014)、[野梨树](2018)
奖项:第67届戛纳电影节金棕榈奖([冬眠])
 
尘土中窥探人生
 
半路出家的导演锡兰,大学学的其实是电气工程,毕业后做过摄影,服过兵役,36岁才走向电影之路。
 
从[小镇]、[五月碧云天]初露锋芒,到2003年戛纳电影节上[远方]荣获评审团大奖,再到2014年凭借[冬眠]力斩金棕榈,诗意的影像风格与强烈的文学性,让锡兰在这二十年里越来越受到推崇。
 
锡兰电影中对土耳其的小镇生活事无巨细地丰富呈现,是那么真实而富有感染力。
 
广袤的沿海平原,山峦中的小村庄,远处传来的狗吠声与鸟叫声,呼啸而来的大风,摇动枝叶沙沙作响,人们喋喋不休地聊着无意义的话题,一杯杯喝着当地的红茶……
 
这一切都让那片本来陌生的土地距离我们那么近,让本来不熟的人们显得那么亲切。
 
锡兰电影的主题是深邃而迷离的,突如其来的诗意叫人神魂颠倒,戛然而止的静默让人思绪万千。
 
他仿佛一个睿智的哲人,向我们叙述着一个又一个黑暗而复杂的寓言。在他的电影里,我们能够看到人间处处相同的孤寂与哀愁。
 
锡兰后期的作品,文学性的特征愈发地突出。
 
作为一个新千年才崭露头角的导演,锡兰已经毫无争议地跻身电影大师的行列,这与整个世界电影文学性悄然流失的现状,不无关联。
 
人们如此着迷于锡兰的电影,也正表明了,文学要素为电影艺术增添了无限的魅力。而在今天,这样的电影变得更加稀贵。
 
 
韦斯· 安德森
 
生日:1969年5月1日 
出生地:美国德克萨斯州
2000年后代表作:[天才一族](2001)、[水中生活](2004)、[穿越大吉岭](2007)、[了不起的狐狸爸爸](2009)、[月升王国](2012)、[布达佩斯大饭店](2014)、[犬之岛](2018)
奖项:第64届柏林国际电影节评审团大奖([布达佩斯大饭店])
第68届柏林国际电影节最佳导演([犬之岛])
 
旧时光守护者
 
韦斯·安德森的电影是一座堡垒,自成一派,现实休想透过窗户缝溜进去。如果你对此时的现实时空厌倦,就躲到他的电影里去吧。
 
那里完全对称而整洁,那里蒙着一层淡淡的马卡龙色,那里的人傻傻守着旧时代高贵的美德。那里和现实完全两样。
 
安德森小时候,就曾经幻想,自己和班上的小女孩私奔到远方。
 
后来,他拍了[月升王国],两个小孩煞有介事地执行了他不曾真正实施的逃亡。韦斯·安德森电影的意义就在这里,他给你一个理想化的世界,给你一个梦。
 
每个时代都需要安德森,尤其是现在。这二十年,是理性统治,技术至上的时代,每个人都被时代异化,没有感性与梦的空间,只是机械地运作。
 
安德森电影里的人们,动作都一顿一顿,像是真正的机械;甚至干脆就真的是定格动画,将低帧数的卡顿感,与安德森独树一帜的风格相交融。他们不如我们活得“流畅”,却拥有我们不可想象的热情与真诚。
 
安德森本人,害羞,总是梳着一丝不苟的头发,穿着笔挺又小小闷骚的西装,有品位又有礼节。
 
他就像[布达佩斯大饭店]的古斯塔夫,是“文明的微光”。这二十年少了他可怎么得了,还有谁能帮忙守护那些旧时的美景,高贵的美德,和绝对对称的愉悦。
 
 
昆汀· 塔伦蒂诺
 
生日:1963年3月27日
出生地:美国田纳西州
2000年后代表作:[杀死比尔](2003)、[无耻混蛋](2009)、[被解救的姜戈](2012)、[八恶人](2015)、[好莱坞往事](2019)
奖项:第85届奥斯卡最佳原创剧本([被解救的姜戈])
 
暴力史,迷影向
 
昆汀是赶上好时候了。
 
这二十年,互联网网住世界。这个全面传播的时代,最缺的是什么?彩蛋!换任何时代,这种迷影型的导演,都更像自己偷着乐的死宅。但此时,昆汀的电影,能给媒体和观众,提供无限的谈资。
 
这二十年,大银幕属于血浆和暴力。每天海量的信息令人麻木,不见点血,不足以挑动观众的神经。换任何一个时代,这样的血与枪火,都属于B级片。但此时,连动画和超级英雄电影都能R级了。
 
这二十年,也是属于草根的时代。换作任何一个时代,连New Money也是要被老贵族鄙夷的。但此时,录像带商店的小店员也能成世界知名的大导演,平民也有出头天。
 
上世纪的[落水狗]与[低俗小说]之后,昆汀将自己的趣味,在2003年的[杀死比尔]里,玩到了极致。而后的每一部昆汀电影,也都是类型的拼贴,可拼贴后反而是个人化的风味。
 
还有十部电影即不再执导的宣言。昆汀的戏剧性,和这新世纪头二十年的癫狂相得益彰。
 
但别忘了,他只拍十部电影,是为质量考虑。“如果你先看了比利·怀德的[热情似火],接下来一部是[患难之交],你的下巴都会惊掉。我可不想要那样的尴尬。”
 
一切的基础是拍出好电影。你可以像昆汀那么疯,但你不一定能像他那么红。
 
 
凯瑟琳·毕格罗
 
生日:1951年11月27日 
出生地:美国加利福尼亚州
2000年后代表作:[K-19寡妇制造者](2002) 、[拆弹部队](2008)、 [猎杀本拉登](2012)、[贩毒之地](2015)、[底特律](2017)、[三方国界](2019)
奖项:第82届奥斯卡最佳影片([拆弹部队])
第82届奥斯卡最佳导演([拆弹部队])
 
打破性别壁垒
 
提到女性导演,人们总习惯将之与女性电影相联系,就好像她们只会拍情感思绪,只会讲家庭琐事。
 
杀人诛心,这些从根本上限制住了女性导演的发挥空间,又反过来嫌她们不够主流。
 
凯瑟琳·毕格罗反其道而行之,她的影片打破了常规意义上的女性导演题材的界限,充满动作、爆炸、死亡和毁灭这类男性电影的标志性元素,让女性导演的选题走出厨房、家庭、情感这片狭小感性的世界,在浓厚的雄性荷尔蒙气息笼罩下,观照着历史,观照着现实,观照着触目惊心的人性故事。
 
长久以来,男性牢牢掌控着电影界的话语权,不管是银幕上还是银幕下。
 
在好莱坞,女性电影人很少有自主选择权,她们要么以花瓶甚至玩物的形象出现在银幕上,充当着男性观众性幻想的对象,要么供职于剧组各部门,做着琐碎忙碌的杂事,女性导演更加凤毛麟角。
 
获得过最佳导演提名的女性,直到2018年也只有五位,真正拿到这座小金人的,只有一个凯瑟琳·毕格罗。
 
过去二十年,女性电影人在好莱坞的境况呈好转趋势,女性导演的数量也从2003年的4%涨到了2018年的8%。
 
毕格罗的[拆弹部队]和卡梅隆的[阿凡达]平起平坐提名9项奥斯卡奖项,用实际成果证明了男人那活儿,女人也能干得更牛。
 
不仅弥补了之前奥斯卡女性导演的缺失,更打破了电影界男性话语权的绝对地位,开拓了女性导演的多种可能。
 
 
拉斯· 冯· 提尔
 
生日:1956年4月30日
出生地:丹麦哥本哈根
2000年后代表作:[黑暗中的舞者](2000)、[狗镇](2003)、[反基督者](2009)、[忧郁症](2011)、[女性瘾者]第一部和第二部(2013&2014)、[此房是我造](2018)
奖项:第53届戛纳电影节金棕榈奖([黑暗中的舞者])
 
博学多闻的怪咖
 
在向来喜欢深挖人性的欧洲导演里,拉斯·冯·提尔绝对是这二十年,最离经叛道的怪咖,挑战普通观众承受底线,自恋讲述寓言式人性黑暗故事。
 
上世纪八九十年代,拉斯·冯·提尔便在欧洲电影界崭露头角。2000年后,他继续用先锋的影像表达激进的观念。
 
[黑暗中的舞者]让冯·提尔获得了2000年戛纳电影节金棕榈奖。片中,母亲为了筹钱给儿子筹钱做眼睛手术,耗尽所有精力挣钱,在光明和黑暗中抓住不让儿子失明的希望,动人又虐心。
 
这不是冯·提尔对人性最凄惨绝望的表现。
 
他的[狗镇]、[反基督者]、[女性瘾者]、[此房是我造],动用社会、伦理与宗教式的寓言,对罪恶、复仇、欲望进行超越主流观众心理承受的解构。
 
他把角色放置在极端情境中,像实验室里的研究员一样,用显微镜窥视他们的内心。因此,一个事件、一种欲望,通常会被他解说得透入骨髓。他是一个自恋狂,大胆倾诉自己幽暗的想法。
 
任何时候,拉斯·冯·提尔这样的导演都是一个异类。他让严肃保守的诉说成为笑话,代之以毫不留情地撕开伤疤,在痛苦和罪恶中,让观众体验到人心底最幽暗的地方。
 
 
达内兄弟
 
生日:1951年4月21日(让·皮埃尔·达内JeanPierre Dardenne) / 1954年3月10日(吕克·达内 Luc Dardenne)
出生地:比利时瓦隆地区
2000年后代表作:[他人之子](2002)、[孩子](2005)、[罗尔娜的沉默](2008)、[单车少年](2011)、[两天一夜](2014)、[年轻的阿迈德](2019)
奖项:第58届戛纳电影节金棕榈奖([孩子])
第61届戛纳电影节最佳编剧([罗尔那的沉默])
第64届戛纳电影节评审团大奖([单车少年])
第72届戛纳电影节最佳导演奖([年轻的阿迈德])
 
底层代言人
 
虽然欧洲关注人文的导演为数甚多,但一直秉持现实主义路线,刻画当下工人、青少年、失业及移民等问题的导演,屈指可数。
 
具有明显左派视角的达内兄弟,是这二十年里,欧洲无可争议的现实主义大师。
 
兄弟俩拍摄纪录片起家,多以工人为主角。
 
十年后,他们开始执导剧情片,仍然把焦点放在城市中的工人阶级身上,他们或者遭遇丧子之痛([他人之子]);或者被移民问题困扰([罗尔娜的沉默]);或者在为保住工作而奔波([两天一夜])。他们生存的隐忧可能面临道德与罪恶问题。
 
达内兄弟秉持纪录片拍摄的习惯,很少使用复杂调度,偏爱手持摄影和临场纪录,例如让角色处于奔走状态,摄影机“尾随”在他们周围。
 
剧情设计也会与之呼应。他们作为电影的编剧,尽可能在日常生活中挖掘细节,呈现角色的矛盾处境和精神压抑。这是他们切入欧洲社会问题的视角。
 
21世纪的欧洲,经济发展与社会制度高度成熟,但仍有很多人为生存问题付出沉重代价,在成长与相处中,经历道德和情感的撕裂。这些正是达内兄弟所坚持表达的东西。
 
 
肯· 洛奇
 
生日:1936年6月17日
出生地:英国纳尼顿
2000年后代表作:[甜蜜十六岁](2002)、[风吹麦浪](2006)、[天使的一份](2012)、[我是布莱克](2016)
奖项:第59届戛纳电影节金棕榈奖([风吹麦浪])
第70届戛纳电影节金棕榈奖([我是布莱克])
 
用电影战斗到底
 
早在60年代,肯就凭借[小孩与鹰]名声大噪。但没过多久,他的倔强脾气以及电影中尖锐的政治话题,就让他的事业遇到了阻碍。
 
70年代他的电影票房惨到连工资都发不出来,到了80年代,肯陷入了无片可拍的窘境。不仅是电影,电视、剧院,肯处处遭到抵制,可怜的他一度连房租也付不起。
 
直到90年代初,英国政治环境得到缓解,肯才开始重新投入到电影创作中。到了2000年后,老肯终于迎来了人生第二个辉煌期。
 
[风吹麦浪]之后十年,80岁的肯凭借[我是布莱克],再次获得戛纳电影节金棕榈大奖。
 
肯·洛奇始终坚持现实主义,始终代表无产阶级的立场。五十多年来,纵使他的大部分作品都不卖座,也依旧坚持拍,山穷水尽也要拍。
 
从五十年前的[小孩与鹰]到今年的[对不起,我们错过了你],他的创作热情和艺术水准有增无减,而电影中那种无产阶级的视角越来越鲜明、坚定。
 
资本主义走到今天,已然遇到无数难以解决的问题,无产阶级与资产阶级之间的深刻矛盾,变得越来越无法调和。
 
在这样的时代下,我们更需要像肯·洛奇这样的电影工作者,不懈地为工人、农民呐喊发声,优雅而高亢地与社会不公战斗到底。
 
 
阿彼察邦·韦拉斯哈古
 
生日:1970年7月16日 
出生地:泰国曼谷
2000年后代表作:[正午显影](2000)、[热带疾病](2004)、[恋爱症候群](2006)、[世界状
态](2007)、[能召回前世的布米叔叔](2010)、[幻梦墓园](2015)
奖项:第57届戛纳电影节评审团奖([热带疾病])
第63届戛纳电影节金棕榈奖([能召回前世的布米叔叔])
 
梦的领路人
 
2000年以来,泰国电影在国际上的名片是小清新爱情片、另类恐怖片以及泰拳格斗动作片,偶有剧情佳作出现。
 
艺术片领域,阿彼察邦是泰国电影在国际上的一枝独秀。谈泰国艺术电影必谈阿彼察邦。他的电影离商业电影里灯红酒绿、时尚现代的泰国很遥远,提供了另一种观看泰国的视角。
 
阿彼察邦曾在一部介绍中国台湾新电影的纪录片里说到,“当我看侯孝贤,杨德昌或蔡明亮等导演的电影时,总会睡着。
 
多年后,我的电影也让观众睡着,我想这样的电影有种特别的力量,将观众转移到不同的世界……电影引渡我们到梦的世界,苏醒后,我们仍然在那里,就像一种特别的旅程”。
 
大概因为有了这种“豁达”的想法,阿彼察邦才会以那样的方式拍摄电影,从不做任何吸引观众的努力,对话、隐喻铺满影片。
 
如果你清醒看完一部阿彼察邦的电影,可能不会体会到那种进入梦境的轻松,相反,会被疲惫包裹,被解读的欲望缠绕。
 
他领我们走进的是一个没有刺激体验的时空。倾听人物对话,凝视他们的行动,是唯一进入阿彼察邦电影的方式。
 
某种程度上,阿彼察邦很像蔡明亮,放弃了电影的叙事功能,更注重影像体验。
 
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2020-01-14   23:12
老安头
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2020-01-06   02:04
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2020-01-02   21:16
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